La teoria del colore applicata ai fondali, come si dipinge uno spazio per i personaggi
Temperatura, valore, saturazione, prospettiva aerea. Il pittore di fondali usa le regole del colore con un obiettivo che la pittura da cavalletto non conosce, lasciare il posto a qualcuno che deve ancora entrare.
Un fondale per l'animazione è un quadro incompleto per definizione. Quando il pittore lo termina, manca ancora l'elemento più importante, il personaggio, che verrà sovrapposto in seguito e che dovrà muoversi, recitare, catturare lo sguardo. Ogni scelta cromatica del fondale si misura su questa presenza futura.
Per questo la teoria del colore, così come la si insegna nelle accademie, va adattata. Le nozioni di base restano le stesse: tinta, valore, saturazione, temperatura, contrasti simultanei. Cambia la gerarchia. Nel fondale animato il colore lavora soprattutto al servizio della leggibilità.
Il valore viene prima della tinta
Molti pittori di fondali sostengono che il valore, cioè la luminosità di un colore indipendentemente dalla sua tinta, sia il parametro più importante. Un fondale può avere una tavolozza ricchissima, ma se i valori si confondono con quelli del personaggio, la figura sparisce. La pratica classica prevede di verificare il dipinto in bianco e nero: se nella versione desaturata il personaggio si stacca chiaramente dal fondo, il lavoro è solido.
Nell'animazione tradizionale a cel il personaggio era colorato con tinte piatte e contornato da una linea. Il fondale, dipinto a guazzo o ad acquerello, aveva invece sfumature e texture. Questa differenza di trattamento aiutava la separazione, ma non bastava. I pittori imparavano a mantenere i fondali in una gamma di valori leggermente diversa da quella dei personaggi, più chiara o più scura a seconda della scena, e a riservare i contrasti più forti alla zona dove si sarebbe svolta l'azione.
Saturazione e gerarchia
Un principio diffuso è tenere i fondali meno saturi dei personaggi. Un colore vivido attira l'occhio, e se il cielo o un muro sono più accesi del costume del protagonista, lo sguardo dello spettatore va nel posto sbagliato. La regola ha eccezioni, nei film stilizzati o nelle sequenze oniriche, ma come punto di partenza resta valida.
La temperatura fa il resto. I colori caldi tendono ad avanzare, quelli freddi ad arretrare. Un fondale costruito su toni freddi, con il personaggio vestito di colori caldi, crea una separazione naturale. Allo stesso tempo, la temperatura generale di una scena comunica un'emozione: il calore di un interno domestico, il gelo di una foresta notturna, l'inquietudine di una luce verdastra.
La prospettiva aerea
Per suggerire profondità in un'immagine piatta, il pittore di fondali usa la prospettiva aerea, la stessa che Leonardo descriveva nei suoi appunti sulla pittura. Gli oggetti lontani perdono contrasto, si schiariscono, virano verso il colore dell'atmosfera, di solito un azzurro. Le colline sullo sfondo sono pallide e fredde, quelle in primo piano scure e calde.
Nel cinema d'animazione questa regola si combina con il lavoro a livelli. Un paesaggio viene spesso diviso in piani sovrapposti che scorrono a velocità diverse durante i movimenti di macchina, creando l'effetto della parallasse. Ogni livello ha la sua gamma cromatica, e la loro coerenza determina la credibilità dello spazio.
Stili e autori
La storia dell'animazione offre esempi molto diversi. Per La bella addormentata nel bosco (1959) la Disney affidò lo stile visivo a Eyvind Earle, che dipinse fondali verticali, minuziosi, ispirati all'arte gotica e rinascimentale. In quel film i fondali sono così elaborati che competono quasi con i personaggi, e gli animatori dovettero adattare il loro stile per non esserne sopraffatti.
All'opposto, i fondali dello Studio Ghibli realizzati da Kazuo Oga, a partire da Il mio vicino Totoro (1988), lavorano sul naturalismo della luce e della vegetazione. I verdi sono infiniti, l'aria è umida, il colore sembra percepito più che progettato. Eppure anche lì la gerarchia rispetta i personaggi, che restano sempre leggibili.
Nella tradizione europea più recente, film come The Secret of Kells (2009) di Tomm Moore hanno usato fondali piatti e decorativi, ispirati ai manoscritti miniati, dove la profondità è suggerita più dalla sovrapposizione delle forme che dalla prospettiva. Sono scelte che dimostrano quanto la teoria del colore, in animazione, sia uno strumento di regia prima ancora che di pittura.
