Staging, la messa in scena che decide cosa lo spettatore deve vedere
Un'idea alla volta, presentata nel modo più chiaro possibile. Lo staging è il principio più teatrale dei dodici e quello che più spesso separa un film leggibile da uno confuso.
Il termine viene dal teatro, e non a caso. Sul palcoscenico un attore che deve far capire di avere paura non può contare sul primo piano: deve trovare una posizione, un gesto, un rapporto con lo spazio che arrivi fino all'ultima fila. Gli animatori Disney degli anni Trenta, che studiavano il teatro e il cinema muto con attenzione, presero in prestito il concetto e lo trasformarono in uno dei loro principi fondanti.
Frank Thomas e Ollie Johnston, in The Illusion of Life, definiscono lo staging come la presentazione di un'idea in modo che sia completamente e inequivocabilmente chiara. La parola chiave è «un'idea». In ogni momento del film lo spettatore deve sapere dove guardare e cosa capire.
Una cosa per volta
Il primo corollario è la gerarchia. Se in una scena tre personaggi si muovono contemporaneamente con la stessa intensità, l'occhio non sa a chi dare retta. Un buon staging decide chi è il protagonista dell'istante e fa in modo che tutto il resto lo sostenga: gli altri personaggi si fermano o si muovono poco, il fondale non distrae, la composizione conduce lo sguardo verso il punto giusto.
Questo vale per l'azione fisica, per l'emozione, per la battuta comica. Una gag funziona se il pubblico vede l'oggetto che cade prima che cada. Un momento drammatico funziona se lo sguardo è sul volto giusto quando l'espressione cambia. Il film d'animazione, a differenza del cinema dal vero, non può affidarsi al caso di un dettaglio colto per fortuna: tutto ciò che appare è stato deciso.
La prova della silhouette
Gli animatori della generazione classica usavano un controllo semplice: riempire la figura di nero e guardare se la posa resta comprensibile. Se un personaggio sta indicando qualcosa ma il braccio è disegnato davanti al corpo, la silhouette mostra solo una macchia informe. Spostando il braccio di lato, la stessa azione diventa leggibile anche da lontano, anche in un'inquadratura piccola, anche per un bambino.
La prova della silhouette dice molto sul principio. Lo staging riguarda il disegno della posa tanto quanto la regia dell'inquadratura. Un personaggio di profilo, con le braccia libere dal busto, comunica più di uno disegnato di fronte con i gesti sovrapposti al corpo. Per questo nel cartoon classico i personaggi assumono spesso pose di tre quarti o di profilo che nella realtà sarebbero innaturali, ma sullo schermo sono cristalline.
Strumenti di regia
Oltre alla posa entrano in gioco tutti gli strumenti della messa in scena cinematografica. La scelta del campo, largo o stretto, cambia ciò che conta: un campo lungo mette il personaggio in rapporto con l'ambiente, un primo piano isola la reazione. L'angolazione suggerisce potere o fragilità. Il contrasto di valore e di colore separa la figura dal fondo.
Nel 2D il fondale è uno strumento di staging fortissimo, proprio perché è dipinto e quindi interamente controllabile. Un pittore di fondali può abbassare i contrasti dove il personaggio agirà, schiarire una zona per farne un palcoscenico naturale, usare linee architettoniche che convergono verso il punto d'interesse. Molti layout dei cartoni Warner Bros. firmati da Maurice Noble per i film di Chuck Jones sono costruiti così: spazi stilizzati, quasi vuoti, che esistono per incorniciare la gag.
Quando lo staging fallisce
I sintomi di una messa in scena debole sono riconoscibili. Lo spettatore perde una battuta e ride in ritardo, o non ride. Un'azione importante avviene ai margini del quadro. Il personaggio che parla è coperto da un altro. Due movimenti competono e nessuno vince. Nell'animazione televisiva prodotta in fretta questi difetti sono frequenti, perché la chiarezza richiede tempo di pianificazione in fase di storyboard e di layout.
C'è infine un aspetto che riguarda il ritmo. Lo staging funziona nel tempo oltre che nello spazio: un'idea deve restare sullo schermo abbastanza a lungo da essere letta, e la successiva non deve sovrapporsi. Una sequenza ben messa in scena sembra semplice, quasi ovvia. È il segno che qualcuno ha lavorato molto per togliere tutto ciò che confondeva.
