Dipingere i fondali per l'animazione 2D, regole di valore, colore e leggibilità
Un fondale bellissimo può rovinare una scena. Come si dipinge uno sfondo che sostenga i personaggi, con indicazioni su contrasto, profondità, livelli e formati.
Un pittore di fondali di talento può produrre un quadro magnifico che, una volta sotto i personaggi animati, non funziona. Troppo dettagliato, troppo contrastato, troppo vivace. I personaggi ci si perdono dentro. Il paradosso del fondale è che deve essere ricco quanto basta per creare un mondo e discreto quanto basta per lasciare la scena a chi la recita.
Il rapporto con i personaggi
Il primo principio è il contrasto. I personaggi animati sono in genere colorati con tinte piatte e contorni netti. Il fondale deve distinguersi da loro, non competere.
Alcune strategie consolidate:
- valori diversi: se il personaggio è chiaro, il fondale dietro di lui è più scuro, e viceversa;
- saturazione ridotta: i colori del fondale sono spesso meno saturi di quelli dei personaggi;
- meno contorni: molti stili rinunciano alle linee di contorno sugli sfondi, lavorando per masse di colore;
- dettaglio calibrato: il dettaglio si concentra lontano dalle zone in cui si muovono i personaggi.
Un controllo semplice consiste nel convertire la scena in bianco e nero. Se il personaggio non si stacca dal fondale per valore, il problema c'è anche a colori.
La profondità
Lo spazio si costruisce con la prospettiva atmosferica. Gli oggetti lontani sono più chiari, meno contrastati e tendono al colore dell'aria, di solito un azzurro o un grigio caldo. Quelli vicini sono più scuri, più saturi, più definiti.
Un fondale ben costruito si legge in tre fasce:
- primo piano, scuro e contrastato, spesso parzialmente fuori fuoco o tagliato dai bordi;
- piano medio, dove si muovono i personaggi, con contrasti moderati;
- sfondo, chiaro e sfumato.
Livelli e parallasse
Nell'animazione digitale i fondali si dipingono quasi sempre su più livelli separati. Questo permette di spostarli a velocità diverse durante un movimento di camera, creando un effetto di profondità chiamato parallasse, e di inserire i personaggi tra un livello e l'altro.
Per una panoramica, ogni livello va dipinto più largo dell'inquadratura. Il livello più lontano si sposta poco, quello più vicino molto. Le dimensioni vanno calcolate in base al percorso della camera stabilito nel layout. Lasciare almeno un margine del 10–15 per cento oltre il campo massimo evita brutte sorprese.
Cicli di fondale
Per le scene in cui un personaggio corre o cammina a lungo, si usa un fondale ciclico, che si ripete senza interruzioni. Il bordo destro deve combaciare perfettamente con quello sinistro. Conviene dipingerlo largo due o tre volte l'inquadratura, per non far notare la ripetizione, e aggiungere elementi di primo piano su un livello separato con un ciclo di lunghezza diversa.
Luce e colore narrativo
Il fondale stabilisce l'ora del giorno, il clima, l'umore della scena. In una sequenza, il colore dei fondali segue spesso una progressione: dal caldo al freddo con l'avanzare della tensione, dal chiaro allo scuro verso la notte. Molti studi preparano una color script, una serie di piccole immagini che riassumono il colore di tutta l'opera, scena per scena, prima di dipingere i fondali definitivi.
La luce del fondale deve essere coerente con quella dei personaggi. Se il sole arriva da sinistra nello sfondo, le ombre del personaggio devono cadere a destra.
Tecniche e strumenti
I fondali dell'animazione tradizionale venivano dipinti a gouache o acquerello su cartoncino. Oggi si lavora quasi sempre in digitale, con programmi di pittura come Photoshop, Krita o Procreate, ma molti pittori conservano la gestualità della pittura a mano usando pennelli che simulano la grana della carta.
Un consiglio pratico per chi comincia. Prima di dipingere, fate tre o quattro miniature grandi come un francobollo, solo con macchie di valore. È lì che si decide se il fondale funzionerà. I dettagli vengono dopo, e sono la parte meno importante.
