Animazione limitata, la banca dei movimenti e l'arte di fare molto con pochi disegni
Dalle trasformazioni ripetute ogni settimana ai fermi immagine dipinti di Dezaki, la scarsità di mezzi ha prodotto nell'anime un linguaggio visivo proprio. Ecco come funziona.
Ogni settimana, per decenni, milioni di bambini hanno visto la stessa scena. Il robot che esce dall'hangar, la ragazza che si trasforma in eroina con una pioggia di stelle, il pilota che si collega alla macchina. Sempre identica, fotogramma per fotogramma. Non era pigrizia. Era una delle tecniche fondamentali dell'animazione televisiva giapponese, il cosiddetto sistema della banca.
Un'animazione nata dalla scarsità
Quando Osamu Tezuka portò in televisione Astro Boy nel 1963, sapeva che non poteva usare l'animazione piena dei lungometraggi Disney o Toei. Servivano troppi disegni, troppo tempo, troppi soldi. La Mushi Production sviluppò allora una serie di strategie per risparmiare, ispirate in parte a quanto facevano negli Stati Uniti gli studi televisivi come Hanna-Barbera, ma applicate con una logica diversa.
L'obiettivo non era solo ridurre i disegni. Era farlo in modo che lo spettatore percepisse comunque dinamismo e tensione.
Le tecniche principali
Ecco alcuni dei metodi che sono diventati standard.
- Animazione a tre. Il cinema proietta ventiquattro fotogrammi al secondo. Nell'animazione piena si cambia disegno ogni uno o due fotogrammi. Nell'anime televisivo è comune cambiarlo ogni tre, cioè otto disegni al secondo, e per molte azioni anche meno.
- La banca. Sequenze ricorrenti, come trasformazioni, lanci di robot, attacchi speciali, vengono animate una volta con cura e riutilizzate in molti episodi. Questo libera risorse per le scene nuove.
- Animazione parziale. Il personaggio resta immobile, mentre si muovono solo la bocca, gli occhi o i capelli. Per il parlato bastano spesso tre posizioni della bocca.
- Movimenti di macchina sui disegni fermi. Carrellate, zoom, panoramiche su un'illustrazione statica danno l'impressione del movimento senza nuovi disegni.
- Cicli. Camminate, corse, ali che battono vengono ripetute in loop.
Dal limite al linguaggio
Con il tempo alcuni registi trasformarono queste costrizioni in uno stile. Osamu Dezaki, a partire da Ashita no Joe (1970), usò in modo sistematico i cosiddetti harmony, fermi immagine in cui il disegno animato viene sostituito da una illustrazione dipinta, dettagliata, con ombre e texture, che conclude un momento drammatico come una vignetta di manga. Aggiunse inquadrature divise, ripetizioni dello stesso movimento da angolazioni diverse, luci filtrate.
Altri autori hanno usato l'immobilità per creare tensione. In molte serie robotiche e d'azione lo scontro viene preparato con lunghi fermi immagine sui volti, linee di velocità, primi piani sugli occhi. Il momento dell'impatto arriva come un'esplosione di movimento proprio perché preceduto da una lunga attesa.
Una diversa idea di animazione
Lo storico e critico Thomas Lamarre ha descritto questa tradizione come una forma di animazione che lavora sugli strati, sui livelli sovrapposti di disegni e fondali, più che sul movimento continuo del personaggio. L'animatore Mitsuo Iso ha parlato di «full limited animation» per indicare l'approccio di chi, pur restando nei tempi dell'animazione a tre, cerca di ottenere il massimo da ogni disegno.
Chi è abituato all'animazione americana vede spesso l'anime come più rigido. Chi lo conosce sa che il suo ritmo è diverso. Lunghe pause, accelerazioni improvvise, esplosioni di dettaglio nei momenti chiave. È un'estetica che nasce dai vincoli di bilancio, ma che ha formato il gusto di generazioni di spettatori e animatori. Oggi viene imitata anche da produzioni non giapponesi che potrebbero permettersi più disegni. Il segno che quella povertà iniziale è diventata uno stile vero e proprio.
